Frecuencias

Alluvium, un proyecto colaborativo de Nika Kaiser y Nathan Stickel, emplea una combinación de proyecciones de video compuestas e improvisadas, grabaciones de campo y sonido experimental. Crean instalaciones performativas que responden a los detalles específicos de cada sitio en sus obras, estableciendo vínculos entre lo político y lo espiritual. Nika Kaiser trabaja con fotografía, video, sonido e instalación. Su práctica artística despliega un encuentro entre lo imaginario y lo real para explorar ideas sobre el tiempo profundo, la conexión entre especies, el anticapitalismo y las ecologías del futuro, influenciada por su crianza en las tierras fronterizas de Sonora. Kaiser posee una Maestría en Artes Visuales por la Universidad de Oregón. Su obra se ha exhibido internacionalmente y ha recibido dos becas New Works de la Arts Foundation, una beca de la Fundación Warhol y una beca de la Fundación Pollock-Krasner. Imparte clases de prácticas experimentales en el Departamento de Cine y Televisión de la Universidad de Arizona. Nathan Stickel es un creador interdisciplinario cuyo trabajo se sitúa en la intersección del sonido y la política. Ha colaborado en diversos proyectos comunitarios y experimentales en áreas de coordinación, curaduría, escritura, proyección y música. Además de Alluvium, ha sido integrante de las bandas de hardcore/punk Mala Mente y Destruido, con las que ha realizado giras por Estados Unidos. Actualmente, Nathan es miembro del BCC, un centro experimental para la vida comunal en Tucson, Arizona.

Vivian Caccuri es una artista radicada en Río de Janeiro, Brasil. Durante los últimos quince años, Caccuri ha desarrollado instalaciones, performances, dibujos y bordados que investigan cómo el sonido puede desorientar las experiencias cotidianas, inspirar nuevas formas de vida y modular las dinámicas de poder en la sociedad. Su práctica artística busca resaltar los aspectos activos pero poco reconocidos del sonido. Vivian ha participado en exposiciones como la 32ª y 33ª Bienal de São Paulo, la Bienal de Venecia y la Bienal Kochi-Muziris en India, y ha exhibido su trabajo en el New Museum y High Line Art en la ciudad de Nueva York, y el Museo JUMEX en México, entre otros.

Sofía Córdova vive y trabaja entre su natal Puerto Rico y Oakland, California. Su obra aborda la ciencia ficción como historia alternativa, las dimensiones liberadoras de la música dance, el cambio climático, la migración y, más recientemente, la revolución —tanto histórica como imaginada— dentro de la matriz de clase, género, raza, el capitalismo tardío y sus tecnologías en evolución. Trabaja con performance, video, sonido, música, instalación, fotografía y, ocasionalmente, taxidermia. Es integrante del dúo musical XUXA SANTAMARIA; además de sus proyectos independientes, el dúo compone colectivamente la música de toda su obra en video. El trabajo de Córdova se ha exhibido y presentado internacionalmente en instituciones como el Whitney Museum of American Art, las galerías de la Universidad de Tufts, el Buffalo Institute for Contemporary Art, el SFMOMA, el Museo de la Universidad Estatal de Arizona, el Museo Vincent Price, el Instituto Wattis y el Yerba Buena Center for the Arts (EE. UU.), así como el Museo de Arte Contemporáneo (Puerto Rico), Art Hub (Shanghái) y MEWO Kunsthalle (Alemania). Su obra forma parte de las colecciones permanentes de Kadist y del Museo Whitney. Ha realizado residencias en Eyebeam (Nueva York), Headlands Center for the Arts, el Museo de Mills College (California) y el Museo de la ASU (Arizona), y ha compuesto y coreografiado piezas para la Comisión de Artes de San Francisco, el Merce Cunningham Trust y la Bienal Soundwave. Ha sido galardonada con una beca de la Fundación Ama Amoedo, una beca del Creative Work Fund y el premio Artadia 2023.

Tatiana Echeverri Fernandez creció entre Medellín (Colombia), Róterdam (Países Bajos) y la región del Ruhr (Alemania). Estudió en la Kunstakademie Düsseldorf, donde fue alumna de maestría bajo la tutela de Rosemarie Trockel, y obtuvo su Maestría en Bellas Artes en 2005 por el Royal College of Art de Londres. Su obra ha sido exhibida internacionalmente en instituciones de renombre como el Museo Guggenheim de Nueva York, Shedhalle en Zúrich, Triangle France en Marsella y el Barbican de Londres. Sus piezas forman parte de numerosas colecciones públicas y privadas en todo el mundo. A lo largo de su carrera ha recibido múltiples premios y becas, siendo el más reciente la beca de investigación artística de Kunstfonds Bonn en 2024.

El trabajo de Nikita Gale emplea la lente de la cultura material para analizar cómo se negocian la autoridad y la identidad dentro de los sistemas políticos, sociales y económicos. Recientemente, su obra se ha exhibido en MoMA PS1 (Nueva York), LACE (Los Ángeles), Commonwealth and Council (Los Ángeles), Matthew Marks Gallery (Los Ángeles), The Studio Museum en Harlem (Nueva York), Rodeo Gallery (Londres) y en la exposición “Made in L.A. 2018” en el Hammer Museum (Los Ángeles). La primera exposición individual institucional de Gale en Europa tendrá lugar en la Chisenhale Gallery de Londres en 2022. Gale es Licenciada en Antropología con énfasis en Estudios Arqueológicos por la Universidad de Yale, obtuvo una Maestría en Nuevos Géneros en la UCLA y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles, California.

Durante dos décadas, Jacqueline Kiyomi Gork ha explorado las intersecciones entre sonido, instalación, performance y escultura, consolidando una práctica que reinventa la materialidad sonora. Su trabajo suele centrarse en cómo el entorno construido moldea la percepción del sonido y la conciencia. En ocasiones, lo logra desplegando sus propias arquitecturas mediante el uso de láminas de vinilo, espuma acústica, mantas de fieltro y otros materiales acústicamente funcionales en estructuras que potencian efectos sonoros específicos. En otras instancias, estos conceptos se integran en esculturas de gran relevancia material que alteran la experiencia del sonido en su entorno. Su formación temprana en danza, coreografía y música experimental sigue influyendo en su obra, donde los roles de intérprete, público y escenario se desdibujan y fusionan. Kiyomi Gork integra sistemas de retroalimentación, la historia del arte sonoro, audio sintetizado, escucha profunda y composición musical en una amplia práctica multimodal.

La doble cultura franco-marroquí de Sara Ouhaddou fundamenta su práctica como un diálogo constante. La artista busca un equilibrio entre la artesanía y las convenciones del arte contemporáneo, con el fin de situar las continuidades culturales olvidadas de la creación artística bajo nuevas perspectivas. Trabaja in situ, produciendo obras basadas en encuentros con comunidades, artesanos e investigadores, al tiempo que explora sitios y objetos patrimoniales. Cada una de sus obras es un proyecto de aprendizaje, intercambio de conocimientos y relatos íntimos o universales. Graduada de la École Olivier De Serres de París, el trabajo de Ouhaddou ha sido objeto de diversas exposiciones internacionales, incluyendo Hirafen en Ateliers C3T, Túnez (2023); Trilogía marroquí en el Museo Reina Sofía, Madrid (2021); Resistencia global en el Centro Pompidou, París (2020); la Bienal Manifesta en Marsella (2020); Nuestro mundo está ardiendo en el Palais de Tokyo, París (2020) y la Bienal de Marrakech, Marruecos (2016). En 2024 participó en la Bienal Gherdeina y presentó exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo MACAAL de Marrakech y en la ifa-Galerie de Berlín. Asimismo, ha formado parte de programas y residencias como Villa Albertine (2023), IASPIS Estocolmo (2021/2022), Art Explora x La Cité Internationale des Arts (2021) y La Cité Internationale des Arts x Daniel et Nina Carasso (2020/2021).

Adrian Piper es una artista conceptual de primera generación que comenzó a exhibir su obra internacionalmente a los veinte años y se graduó de la School of Visual Arts en 1969. Mientras continuaba su producción artística, obtuvo una Licenciatura en Filosofía por el CCNY en 1974 y un Doctorado en Filosofía por la Universidad de Harvard en 1981, bajo la supervisión de John Rawls. Estudió a Kant y Hegel con Dieter Henrich en la Universidad de Heidelberg en 1977-1978 y ejerció como profesora de filosofía a tiempo completo durante 30 años, especializándose en metaética y Kant. Fue la primera mujer afrodescendiente con plaza titular de profesora en el campo de la filosofía. Su estudio de metaética kantiana en dos volúmenes, Rationality and the Structure of the Self, integra el deseo en la razón y la teoría de la decisión estándar en la lógica de predicados clásica. Piper introdujo temas de raza y género en el vocabulario del arte conceptual y contenido político explícito en el minimalismo. En el año 2000, expandió el vocabulario conceptual para incluir imágenes y conceptos de la filosofía védica. Ha recibido numerosas becas y premios tanto en arte como en filosofía, y su obra forma parte de importantes colecciones. Su séptima retrospectiva itinerante se inauguró en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en la primavera de 2018. Su trabajo fue galardonado con el León de Oro a la mejor artista en la 56ª Bienal de Venecia, el premio Käthe-Kollwitz 2018 y el Kaiserring Kunstpreis 2021. Adrian estudia y practica yoga desde 1965 y vive en Berlín, donde dirige la Fundación APRA Berlín.

Ana Paula Santana* es una artista radicada en Guadalajara que trabaja en los campos del arte sonoro, música experimental, artes gráficas, cerámica, video e instalación. Es Licenciada en Ciencias de la Comunicación, cuenta con un diplomado en Creación Literaria por la SOGEM México y una Maestría en Arte Sonoro por la Universidad de Barcelona. Ha sido becaria del FONCA y del PECDA y actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Utiliza el seudónimo Ana Fauna para sus producciones musicales y presentaciones en vivo. Es fundadora y directora de O.Y.E. Oficio y Experimentación, un espacio dedicado a la promoción y educación del arte y el sonido en Zapopan, Jalisco. *Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

La práctica de Naama Tsabar fusiona elementos de la escultura, la música, el performance y la arquitectura. Sus obras interactivas exponen espacios y sistemas ocultos, replantean narrativas de género y transforman la experiencia del espectador en una participación activa. Tsabar dirige la atención hacia lo silenciado e invisible propagando el sonido a través del espacio y la forma escultórica. Entre la escultura y el instrumento, entre la forma y el sonido, su trabajo explora los potenciales íntimos, sensuales y corporales de este estado de transición. Al colaborar con comunidades locales de intérpretes que se identifican como mujeres o personas de género no conforme, Tsabar construye una nueva historia feminista y queer de fluidez. La primera exposición institucional de Tsabar en Alemania se inauguró en el Hamburger Bahnhof de Berlín en 2024. Recientemente ha presentado exposiciones individuales en el Wadsworth Atheneum Museum of Art (Hartford, CT) como artista MATRIX en 2022, y en el Bass Museum (Miami, FL) entre 2021 y 2022. Otras exposiciones y performances se han presentado en KinoSaito (Westchester, NY), el Nasher Museum of Art (Durham, NC), Kunsthaus Baselland (Suiza), CCA Tel Aviv, Faena Art Center (Buenos Aires), el Museo de Arte Moderno y Diseño (Nueva York), Palais de Tokyo (París), Prospect New Orleans, High Line Art (Nueva York), MARTE-C (El Salvador), el Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York), el Museo de Arte de Tel Aviv y el Museo de Arte Contemporáneo Herziliya (Israel).

Karima Walker es una artista y música residente en Arizona. Su trabajo integra investigación, performance, materialidad, video y sonido para cuestionar críticamente las mitologías, prácticas y políticas que moldean las percepciones y relaciones con el territorio. Con una trayectoria de 10 años como música en gira, su trabajo ha aparecido en medios como Pitchfork, NPR, MTV y The New Yorker Radio Hour. Posee certificaciones en Escucha Profunda y Cosecha de Agua de Lluvia, y actualmente cursa una Maestría en Artes Expandidas en la Universidad Estatal de Arizona.

Sobre las artistas de Channeling the Ear

Antye Greie-Ripatti (AGF) es artista, curadora, compositora, poeta, feminista y gestora de redes. También es conocida como AGF, Laub y @poemproducer. Nacida en 1969 y criada en Alemania Oriental, vive y trabaja en Hailuoto, Finlandia, desde 2008. Su trabajo abarca el lenguaje, el sonido, la escucha, la voz, la imagen en movimiento, la poesía y la comunicación, expresándose a través de medios mixtos, performances audiovisuales en vivo, comunicación digital, instalaciones sonoras, encargos para radio, cine y teatro, exposiciones y obras conceptuales. Greie-Ripatti ha lanzado más de 30 álbumes y ha participado en numerosas colaboraciones, incluyendo los seudónimos AGF, AGF/Delay (con Vladislav Delay), Greie Gut Fraktion (con Gudrun Gut) y The Lappetites (con Kaffe Matthews y Eliane Radigue); también colaboró durante un largo periodo con el galardonado compositor clásico Craig Armstrong. Dirige la productora de arte mediático y sello discográfico AGF Producktion. En 2011 fundó la organización de artes rurales Hai Art en Hailuoto, donde fue directora artística, productora ejecutiva y líder de talleres hasta 2020. Con Hai Art organizó conferencias sobre arte remoto, más de diez residencias artísticas, un extenso programa de sonido para niños, la iPad Orchestra Hailuoto, Organum, el MediaLAB de Hailuoto y numerosos campamentos artísticos. AGF trabaja como curadora independiente de sonido desde 2011. Desde 2020, facilita el proyecto de exposición en internet rec-on.org, enfocado en la escucha y el ser político-sonoro. Continúa escribiendo piezas para radio y danza, además de impartir talleres, clases y conferencias.

Maryanne Amacher (1938–2009) fue una compositora de instalaciones sonoras a gran escala y una pensadora sumamente original en las áreas de la percepción, la espacialización del sonido, la inteligencia creativa y la arquitectura aural. Se le cita frecuentemente como pionera de lo que hoy se denomina arte sonoro, aunque su pensamiento y práctica creativa desafiaron constantemente los supuestos clave sobre las capacidades y limitaciones de este género naciente. Considerada a menudo parte del legado post-Cage, su obra anticipa desarrollos fundamentales en la cultura de red, las artes mediáticas, la ecología acústica y los estudios del sonido.

Jessica Ekomane es una música electrónica y artista sonora nacida en Francia y radicada en Berlín. Su primer LP, Multivocal, fue lanzado en 2019 a través de Important Records, derivado de un proyecto para un evento de sueño en Ars Electronica, bajo la curaduría de Shu-Lea Chang y Matthew Füller. Desde entonces, su trabajo se ha presentado ampliamente en festivales, espacios de arte contemporáneo y museos de todo el mundo, como Radio France, el festival CTM, Berghain, Cafe OTO, Hamburger Bahnhof, el Museo Reina Sofía, Art Basel, KW y Villa Massimo. Su pieza Manifolds se lanzó en 2024 como un LP compartido con Laurel Halo en Portraits GRM / Shelter Press. Fue becaria residente del Premio Villa Romana 2023 en Florencia y recibió uno de los dos premios de producción ZKM Giga-Hertz ese mismo año.

Christine Sun Kim es una artista estadounidense radicada en Berlín. Su práctica analiza cómo opera el sonido en la sociedad, deconstruyendo su dimensión política y explorando cómo las lenguas orales funcionan como moneda de cambio social. La notación musical, el lenguaje escrito, las infografías, el lenguaje de señas americano (ASL), el uso del cuerpo y un humor estratégico son elementos recurrentes en su obra. A través del dibujo, el performance, el video y murales de gran escala, Kim explora su relación con las lenguas habladas y de señas, con los entornos construidos y sociales, y con el mundo en general. Su obra ha sido ampliamente exhibida y presentada a nivel internacional. Está representada por la galería François Ghebaly y WHITE SPACE.

Katalin Ladik (n. 1942, Novi Sad, Yugoslavia) es poeta, artista visual y actriz. Su poesía visual y sonora, sus performances y su arte corporal se basan en la reinterpretación intermedial del cuerpo y el lenguaje, el sonido y la visualidad. Desde los inicios de su carrera hacia 1960, la cualidad cantable de sus poemas fue un aspecto fundamental; para finales de la década, la poesía fónica y el performance se convirtieron en sus géneros principales. El feminismo es un eje central de su obra: desde sus primeras presentaciones utilizó su propio cuerpo como medio —equivalente al texto y al sonido—, creando identidades múltiples de distintos sexos y personalidades en el escenario. El uso de patrones de costura en sus versos-collage también cuestiona críticamente los roles tradicionales de la mujer. Además de sus obras visuales y performances, su producción en radio, teatro y cine ha sido extensa, al igual que sus grabaciones de música y poesía sonora. Después de 1976 se convirtió en una figura clave de la escena internacional de la poesía sonora. Desde finales de los años 70 ha participado en numerosas exposiciones internacionales; recientemente su trabajo se incluyó en documenta 14 en Kassel y Atenas (2017), en Shedhalle Zúrich (2018) y en el IVAM de Valencia (2019). Se han presentado exposiciones retrospectivas de gran escala en el Moderna Museet de Estocolmo (2024-2025), el Ludwig Forum de Aquisgrán (2024), la Haus der Kunst de Múnich (2023-2024) y el Museo de Arte Contemporáneo de Voivodina (Novi Sad, Serbia, 2011). Sus obras forman parte de las colecciones de la Tate, el MoMA de Nueva York y el MACBA de Barcelona, entre otros.

Leyya Mona Tawil (Lime Rickey International) es artista, curadora y activista cultural. Trabaja en arte sonoro, danza y transmisiones híbridas. Como sirio-palestina-estadounidense, Tawil aborda el mundo desde esa identidad. Sus obras han recorrido Europa, la región árabe y Estados Unidos. Entre sus presentaciones y encargos se incluyen ISSUE Project Room (NYC), Abrons Arts Center (NYC), la Fundación KONE (Helsinki), el Festival ZVRK (Bosnia), The Lab (San Francisco), el Serendipity Arts Festival (Goa) y el Museo Nacional Árabe Americano (Dearborn). La obra FUTURE FAITH de Lime Rickey International fue nominada a un premio “Bessies” en la categoría de música en 2019. Tawil es también fundadora y directora de Arab.AMP, una plataforma para el arte experimental en vivo, la música y las ideas de la región SWANA y su diáspora.

Audra Wolowiec es una artista interdisciplinaria y educadora cuyo trabajo aborda los aspectos visuales y materiales del sonido y el lenguaje. Se interesa en cómo el sonido puede crear espacios de escucha y conexión. Su obra se ha exhibido internacionalmente y en Estados Unidos en espacios como MASS MoCA, el Museo CCS Bard Hessel, el ICA en MECA, la Universidad de Stony Brook y Art in General. Ha realizado lecturas y eventos en The Poetry Project, Microscope Gallery y el Center for Performance Research. Sus entrevistas y críticas han aparecido en BOMB Magazine, Artforum, The New York Times, Brooklyn Rail y Sound American. Sus residencias recientes incluyen el Instituto de Artes Electrónicas (iea) en la Universidad de Alfred, el Center for Book Arts y una beca artística en la colección de imágenes de la Biblioteca Pública de Nueva York. Wolowiec imparte clases en la Parsons School of Design y dirige la plataforma editorial Gravel Projects.

Sobre la curadora invitada

Bhavisha Panchia es curadora y escritora de arte contemporáneo. Su labor curatorial y escrita se centra en la significación social, cultural e ideológica del sonido y la música en la cultura contemporánea. Interesada en la relación de los medios auditivos con los paradigmas geopolíticos, los discursos anti/poscoloniales y las historias imperiales, Panchia analiza cómo podemos realizar una escucha crítica del pasado para proyectarla hacia el futuro. Ha realizado curadurías de programas y exposiciones a nivel local e internacional, entre las que destacan Sounding a Black Grammar (Nueva York, 2023), Sounding the Void, Imaging the Orchestra V.1 en la A4 Arts Foundation (2019), '32: The Rescore en la Sharjah Art Foundation (2019), For the Record en ifa-Galerie Berlín (2018); writing for the eye, writing for the ear en el Centre for the Less Good Idea (2018); y Buried in the Mix en MEWO Kunsthalle (2017). Es la fundadora de Nothing to Commit Records, un sello y plataforma editorial comprometida con la producción y expansión del conocimiento relacionado con el arte contemporáneo y el sonido dentro y a través del Sur Global. Panchia es Licenciada en Bellas Artes y Maestra en Historia del Arte por la Universidad de Witwatersrand, Maestra en Práctica Curatorial por el Center for Curatorial Studies del Bard College de Nueva York, y Doctora en Historia del Arte por la Universidad de Rodas, Makhanda.

Sobre Nothing to Commit Records

Nothing To Commit Records (NTCR) es una plataforma de investigación y editorial comprometida con la producción y expansión del conocimiento relacionado con el arte contemporáneo, la escritura y la música en el ámbito del Sur Global. Fundada y bajo la dirección artística de Bhavisha Panchia, NTCR funciona como plataforma, sello discográfico y colección. El proyecto colabora con escritores, artistas, compositores, curadores, músicos, programadores y DJs para fomentar el diálogo y la colaboración entre profesionales de todo el mundo. Uno de los objetivos centrales de la plataforma es explorar la significación social e ideológica del sonido y la música para repensar lo social, lo espacial y lo geopolítico. Su colección de discos producidos por artistas constituye un archivo para el estudio y la exploración futura.