Bendito sea: misticismo, espiritualidad y ocultismo en el arte contemporáneo

SOBRE LOS ARTISTAS

Cassils figura en el Huffington Post como una de las "diez figuras del arte transgénero que están transformando el panorama del arte contemporáneo", habiendo alcanzado el reconocimiento internacional por su riguroso compromiso con el cuerpo como forma de escultura social. Sus exposiciones individuales recientes incluyen la Philadelphia Academy of Fine Arts; School of the Museum of Fine Arts Boston; Bemis Center, Omaha; MU Eindhoven, Países Bajos; Trinity Square Video, Toronto; y Ronald Feldman Fine Arts, Nueva York. Cassils ha recibido la United States Artists Fellowship, la Beca Guggenheim y el Creative Capital Award.

Ron Athey ha trabajado a la vanguardia del arte de la performance durante 25 años. Su obra iconoclasta reconsidera nociones preconcebidas de masculinidad, sexualidad y religión, así como la ansiedad que rodea a la crisis del SIDA. El trabajo y las performances de Athey se han presentado y exhibido internacionalmente en instituciones como el MOCA de Los Ángeles, el Kampnagel Theater de Alemania y Western Projects, entre otras. Su monografía, "Pleading in the Blood: The Art of Ron Athey", fue publicada en 2012 por la Live Art Development Agency y MIT Press.

Arshia Fatima Haq trabaja con diversos medios, como el cine, las artes visuales, la performance y el sonido; actualmente explora temas relacionados con la corporeidad y el misticismo, particularmente dentro del contexto sufí islámico. Su cuerpo de trabajo surge de la complejidad de habitar múltiples identidades: mujer, musulmana, inmigrante, ciudadana, perteneciente y ajena. Su obra se ha presentado en el Broad Museum, el MoMA de Nueva York, el Hammer Museum y el Centre Georges Pompidou, por nombrar solo algunos. Recientemente lanzó un álbum de grabaciones de campo sufíes de Pakistán.

Alison Blickle crea pinturas al óleo y cerámicas que representan a mujeres participando en ceremonias misteriosas. Presentadas como instalaciones con objetos situados en el suelo o sobre soportes a modo de altares frente a los cuadros, las obras narran una historia en conjunto. Su trabajo ha sido expuesto en la Kravets Wehby Gallery, Deitch Projects, The Hole, el Nassau County Museum y la New York University, entre otros.

Christopher Carroll es un artista multidisciplinar cuya atracción por lo oculto está estrechamente ligada a su motivación para crear arte visual: ambas se vinculan al deseo de sondear la naturaleza física y espiritualmente. Carroll, que expone nacional e internacionalmente, emplea el arte y la magia para descubrir por qué el "cuerpo natural" enciende su imaginación y anima sus sueños.

Adam Cooper-Terán es originario de Tucson y ha recibido elogios por su trabajo por parte del MPA Fund, el NEA, el National Hispanic Cultural Center y la International Sonoran Desert Alliance. Autodenominado psiconauta, la magia de Adam se convierte en una extraña mutación de tecnología y elementos orgánicos, mediante el escaneo de fluidos corporales, huesos y otros objetos efímeros recolectados en el desierto de Sonora.

Mikala Dwyer ha desafiado los límites de la instalación, la escultura y la performance durante más de treinta años, consolidándose como una de las artistas contemporáneas más importantes de Australia. Su obra explora historias ocultas y nuestras relaciones personales con la magia, la memoria, la sexualidad y el ritual. Ha participado en importantes exposiciones en Australia y el extranjero, incluyendo el Hamburger Bahnhof de Berlín, el Graz Museum de Austria y el National Museum de Varsovia.

Amir H. Fallah interroga los sistemas del retrato y la representación integrados en la historia del arte occidental. Con matices de arte pop y un interés por la vida doméstica, las pinturas de Fallah incorporan irónicamente tropos estadounidenses contemporáneos en obras con raíces formales en el arte islámico, incluyendo la organización espacial y los adornos de arabescos de las miniaturas persas. Ha realizado exposiciones individuales recientemente en el Schneider Museum, el Nerman Museum of Contemporary Art y The Third Line en Dubái, y fue seleccionado para participar en la 9ª Bienal de Sharjah.

Barnaby Furnas ha dedicado gran parte de su carrera a representar escenas de batalla, relatos bíblicos, desastres naturales y momentos de triunfo y fracaso humano. Ha realizado numerosas exposiciones individuales recientes, como en el Contemporary Art Museum St. Louis y el Museum of Contemporary Art Denver; su obra forma parte de las colecciones del Whitney Museum of American Art, el MoMA, el SFMOMA y el Contemporary Arts Museum Houston.

Matthew Day Jackson crea obras que abordan el mito del sueño americano, explorando las fuerzas de la creación, el crecimiento, la trascendencia y la muerte a través de visiones de su utopía fallida. Su trabajo suele ser monumental, no solo por su escala física, sino también conceptual, ocupando un terreno intelectual que abarca desde la historia antigua hasta la exploración del espacio exterior. Sus numerosas exposiciones individuales lo sitúan como uno de los artistas más inventivos y sugerentes de su generación.

Baseera Khan comparte en su obra experiencias de exilio y parentesco configuradas por situaciones económicas, políticas y de la cultura pop. Mezcla el consumismo con la espiritualidad y trata las historias, prácticas y archivos decoloniales como geografías del futuro. Su trabajo se ha expuesto en el Sculpture Center, el Whitney Museum of Art y el Queens Museum, entre otros, y recientemente fue becaria de viajes internacionales a Jerusalén a través de Apexart.

El reverendo Steven Johnson Leyba es un pintor ritualista y chamánico de ascendencia apache mescalero. Su arte es a partes iguales satánico, holístico, radical, político y extremadamente personal. Utilizando diversos medios, Leyba crea una celebración de lo sagrado y lo profano. La pintura se mezcla con el collage, el trabajo con abalorios y el ADN para realizar declaraciones audaces sobre el mundo en que vivimos. Recientemente fue el protagonista del documental "Unspeakable: The Life and Art of Reverend Steven Johnson Leyba".

Candice Lin crea obras que abordan nociones de género, raza y sexualidad, basándose en el post/decolonialismo, la ciencia ciudadana, la antropología y las teorías feminista y queer. Lin ha expuesto ampliamente en instituciones como el Moderna Museet de Estocolmo, el New Museum y el Sculpture Center; además ha recibido residencias y premios recientes del Headlands Center for the Arts y la Louis Comfort Tiffany Foundation.

Ann McCoy es conocida principalmente por sus dibujos de gran formato, proyecciones, instalaciones y esculturas de bronce. Su trabajo, derivado de sus sueños y estudios de alquimia, fue presentado en la Bienal de Venecia de 1986 en la sección Arte y Alquimia. La obra de McCoy se encuentra en las colecciones del Metropolitan Museum of Art, LACMA, Hirschhorn Museum, MoMA, Neuberger Museum, SFMOMA y el Whitney Museum.

BREYER P-ORRIDGE es el nombre colaborativo de Lady Jane Breyer y Genesis P-Orridge, quienes se esforzaron por fusionar sus géneros e identidades, convirtiendo sus cuerpos en recipientes del imperativo vanguardista de reimaginar y reinventar el ser como un tercer ente: un Pandrógino. Concebida como una suerte de colaboración "interdimensional" entre el mundo material e inmaterial, la obra de P-ORRIDGE sondea los límites de estos ámbitos, inspirándose en tradiciones indígenas de cambio de forma y reencarnación: una práctica nacida en la intersección entre mortalidad e inmortalidad, experimentada como biología y como conciencia.

Harry E. Smith fue un artista que profundizó en múltiples disciplinas en una búsqueda por comprender la estructura y la esencia de lo que consideraba patrones universales. Fue musicólogo, cineasta experimental y recopilador de folclore; también destacó como pintor, lingüista, antropólogo y mago. Su "Anthology of American Folk Music" se considera el detonante del renacimiento de la música folk en la década de 1960 y se ha convertido en el documento definitorio del movimiento alt-country y de cantautores.

Scott Treleaven se dio a conocer hace dos décadas como colaborador de la escena punk gay norteamericana, destacando por sus collages, películas y fanzines. Su obra actual nace del ritualismo y la escritura automática, conservando aspectos de un proceso de collage oscurantista. Su trabajo se ha mostrado en el MoMA, The Warhol Museum, Contemporary Arts Museum Houston, ICA Philadelphia y el Palais de Tokyo, entre otros.

Leo Villareal crea complejas obras de arte con luces LED, utilizando programación personalizada para cambiar constantemente su frecuencia, intensidad y patrones, lo que invita a reconsiderar la luz, el espacio y la tecnología. Su obra se encuentra en las colecciones del Blanton Museum of Art, el Brooklyn Museum, el Crystal Bridges Museum of American Art, la Cornell University, el MoMA y la National Gallery of Art, entre otros.

Zadie Xa interroga la superposición y confluencia de culturas que informan las identidades autoconceptualizadas y su propia experiencia dentro de la diáspora asiática. Sus intrincadas obras de tela cosidas a mano entrelazan símbolos familiares como el yin-yang, cuchillos, números de la suerte y ojos con monólido, operando dentro de un sistema de semiótica personalizada.