Nacida y criada en Kentucky, Rachel Frank obtuvo su licenciatura en Bellas Artes (BFA) en el Kansas City Art Institute y su maestría (MFA) en la University of Pennsylvania. Su obra utiliza la escultura, el teatro y la performance para explorar las tensiones entre el mundo natural y lo artificial, lo animal y lo político, y el pasado y el presente. Frank ha sido galardonada con numerosos premios, incluyendo becas de la Pollock-Krasner Foundation, la Elizabeth Greenshields Foundation, la Puffin Foundation y el Franklin Furnace Archive. Ha realizado residencias en Yaddo, la Marie Walsh Sharpe Foundation, Sculpture Space, The Women’s Studio Workshop, Skowhegan y el Museum of Arts and Design. Sus piezas de performance se han presentado en HERE, Socrates Sculpture Park, The Select Fair y The Bushwick Starr en la ciudad de Nueva York, el Marran Theater de la Lesley University y, más recientemente, en el Watermill Center en colaboración con Robert Wilson. Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

Kris Grey es un artista de género no binario con sede en la ciudad de Nueva York, cuyo trabajo cultural abarca proyectos curatoriales, performance, escritura y producción de estudio. Grey obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes (BFA) en el Maryland Institute College of Art y una Maestría en Bellas Artes (MFA) en la Universidad de Ohio. Ha recibido la residencia para artistas de Fire Island, ha sido artista residente del Festival ANTI de Arte Contemporáneo en Kupoio, Finlandia, y artista docente en el Centro Internacional de Formación en Artes Escénicas en Bruselas, Bélgica. Además de su práctica individual, Grey colabora con Maya Ciarrocchi bajo el seudónimo Gender/Power. Gender/Power ha sido galardonado con residencias en el Baryshnikov Art Center y en el Lower Manhattan Cultural Council, así como con las becas Franklin Furnace y MAP Fund. Sus proyectos curatoriales recientes incluyen Queer Objectivity en la Universidad de Maryland, el Festival de Cine Experimental y Performance MIX NYC, y la serie de conferencias y performances Queer Culture en el Fashion Institute of Technology. Los escritos de Grey han sido publicados en medios impresos y digitales como Huffington Post y Original Plumbing; su texto más reciente, Trans*feminism: fragmenting and re-reading the history of art through a trans* perspective, escrito en colaboración con Jennie Klein, fue publicado en Otherwise: Imagining Queer Feminist Art Histories.

Gelare Khoshgozaran گلاره خوشگذران es una artista interdisciplinaria y escritora cuyo trabajo abarca el video, el performance, la instalacion y la literatura. Su obra ha sido presentada en exposiciones individuales y colectivas en el Queens Museum, el Museo Ex-Teresa Arte Actual, Malmo Konsthall, Human Resources, Los Angeles Contemporary Exhibitions, The LA Municipal Art Gallery, Southern Exposure, Interstate Projects y la Thomas Erben Gallery, entre otros. Gelare fue galardonada con la beca de la California Community Foundation para artistas visuales en 2015, la beca para escritores de arte de Creative Capital | Andy Warhol Foundation en 2015, y el premio Rema Hort Mann Foundation para artistas emergentes en 2016. Nacida y criada en Tehran, actualmente vive y trabaja en Los Angeles. Gelare es cofundadora y editora de contemptorary.org.

Scotty Wagner y Bailey Hikawa son un dúo performativo que se centra en formas experimentales de narrativa a través del teatro, la instalación física y la imagen en movimiento. Sus proyectos abordan normas sociales, culturales y físico-animales que son puestas de relieve y desafiadas por las nuevas tecnologías. Exploran las formas en que la búsqueda del placer y el autocontrol se ven confrontados por tecnologías que apelan a los sentidos humanos fundamentales, y cómo los cambios en las dinámicas familiares surgen de las nuevas potencialidades entre padres e hijos a través de la evolución de la identidad del humano cíborg.

Lilly McElroy creció en el sur de Arizona entre vaqueros que montaban toros, coyotes aullando en noches de luna, hermosos atardeceres y peleas feroces. La práctica artística de McElroy traduce esas experiencias y clichés en fotografías épicas y videos lúdicamente antagónicos. Los proyectos que McElroy persigue son un reflejo de su compleja relación con el paisaje estadounidense y exploran lo que significa ser estadounidense en una época de expectativas disminuidas. McElroy recibió su Maestría en Bellas Artes (MFA) de la School of the Art Institute of Chicago y su Licenciatura en Bellas Artes (BFA) de la Universidad de Arizona. Realizó residencias en la Skowhegan School of Painting and Sculpture y en The Fine Arts Work Center en Provincetown. Su obra se ha exhibido internacionalmente en espacios como Modern Art Oxford, el Indianapolis Museum of Art, Figge Art Museum, Southern Exposure y Rick Wester Fine Art.

Robert Melee es un artista multimedia que trabaja en la intersección de la fotografía, la escultura, la pintura, el video y la instalación. Sus exposiciones recientes incluyen muestras individuales en el Columbus College of Art & Design, Andrew Kreps Gallery, David Castillo Gallery, la Corcoran Gallery of Art, el Milwaukee Art Museum y David Kordansky. Su obra ha sido incluida en numerosas exposiciones colectivas, como Greater New York en el PS1, Adaptive Behavior en el New Museum y muestras en el Contemporary Arts Museum Houston, New Jersey MOCA, la Bienal de Portugal en Lisboa, Marlborough Gallery, Louis B. James Gallery y Litvak Contemporary en Tel Aviv. Melee vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y está representado por la Andrew Kreps Gallery.

Bryan Zanisnik nació en Union, Nueva Jersey, y actualmente reside entre Estocolmo, Suecia, y la ciudad de Nueva York. Obtuvo una Maestría en Bellas Artes (MFA) por el Hunter College y asistió a la Skowhegan School of Painting and Sculpture. Recientemente ha expuesto y realizado performances en Nueva York en el MoMA PS1, Sculpture Center y el Brooklyn Museum; en Filadelfia en el Institute of Contemporary Art y el Fabric Workshop and Museum; en Miami en la De La Cruz Collection; en Chicago en el Museum of Contemporary Photography; en Los Ángeles en LAXART; e internacionalmente en el Museo de Arte Moderno de Estambul, la Kunsthalle Exnergasse de Viena y el Centro de Arte Contemporáneo Futura de Praga. La obra de Zanisnik ha sido reseñada ampliamente en The New York Times, National Public Radio, Art in America, Artforum, ARTnews, Modern Painters, Time Out New York y Village Voice. Ha realizado residencias en el Lower Manhattan Cultural Council Workspace Program, el Smack Mellon Artist Studio Program, la Macdowell Colony, la Art Omi International Artists Residency y el Guangdong Times Museum en Guangzhou, China. Zanisnik forma parte de la galardonada serie documental de Art21 New York Close Up, ha sido invitado especial en el programa de Leonard Lopate en WNYC y es colaborador de la publicación Triple Canopy.

Gal Amiram es una artista de origen israelí afincada en Los Ángeles. Trabaja con instalaciones fotográficas digitales y montajes a gran escala, utilizando un sentido del humor mordaz para evidenciar el dominio de la mirada y la perspectiva occidental sobre la historia, el colonialismo y el conflicto palestino-israelí. Amiram cuenta con una Licenciatura en Bellas Artes (BFA) de la Escuela Shenkar y una Maestría en Bellas Artes (MFA) del Art Center College of Design. Ha sido galardonada con numerosos premios, tales como la Beca de Residencia Artis, la Beca al Mérito del Vermont Studio Center, el Premio Shapiro Fellowship y la Beca para Proyectos Artísticos de la Fundación Yehoshua Rabinovich de Tel Aviv. Su obra ha sido expuesta internacionalmente en espacios como la American Jewish University, la Los Angeles Municipal Art Gallery, el Angels Gate Cultural Center y la Cal State Long Beach, entre otros.

Sara Bahermez es una diseñadora, directora, artista escénica y educadora yemení-emiratí multidisciplinar y experimental de Abu Dabi, Emiratos Árabes Unidos. Es licenciada en Artes por la NYU Abu Dhabi y cuenta con una maestría en Teatro de la Universidad de Towson como becaria Fulbright. Bahermez se dedica profundamente a la creación de performances y a la construcción de imágenes en vivo que contribuyen a un movimiento queer islamo-futurista. Sus obras recientes incluyen Masjid Al-Munfaletat (La mezquita de las mujeres libres), una experiencia teatral inmersiva que sigue las vidas reimaginadas de tres mujeres "mártires": Loujain Hathloul, Dina Ali Lasloom y Qandeel Baloch.

Tra Bouscaren es un artista de instalaciones posdisciplinario cuya obra aborda el espectáculo estadounidense en la intersección entre la cultura del desecho y el estado de vigilancia. Es licenciado en Filosofía por la Universidad de Yale, cuenta con una Maestría en Bellas Artes (MFA) interdisciplinaria de la Universidad de Pensilvania y está finalizando un doctorado en Estudios de Medios en SUNY Buffalo. La obra de Bouscaren se ha presentado en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, el Museum für Naturkunde de Berlín, el Czong Institute for Contemporary Art de Seúl, el Santa Cruz Museum of Art and History, el National Museum of Art de Adís Abeba, el Annenberg Center for the Performing Arts, el Fort Mason Center for Arts & Culture, The Wrong Biennale y el Lincoln Center de Nueva York.

David Fenster es un cineasta radicado en Marfa, Texas. Su obra se ha proyectado en festivales de cine, museos de arte y medios de comunicación de todo el mundo, incluyendo: el Festival de Cine de Sundance, el Museo de Arte Moderno (MoMA), el New York Times, HBO, la Viennale, el Festival Internacional de Cine de Róterdam, REDCAT, el Hammer Museum, el Pérez Art Museum Miami, PBS y la Harvard Graduate School of Design. David obtuvo una maestría en el School of Film/Video del California Institute of the Arts. Fue artista residente en la Chinati Foundation y la Helene Wurlitzer Foundation, y ha impartido clases en el California Institute of the Arts y en la University of California San Diego.

Julie Henson nació en Charleston, Carolina del Sur, y vive y trabaja en Los Ángeles. Su obra explora el género, el poder y la representación a través de iconos estadounidenses. Centrándose a menudo en atletas, políticas, televangelistas y estrellas del pop, Henson investiga cómo las mujeres y sus cuerpos son retratados en los medios de comunicación, salvando la distancia entre la imagen pública, el mito y la realidad. Henson ha realizado exposiciones individuales en Anat Ebgi (Los Ángeles), el Museo de Arte de Columbia (Carolina del Sur) y Yes Ma’am Projects (Denver). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en la Ben Maltz Gallery del Otis College of Art, el Torrance Art Museum y el Visual Art Center de la Universidad de Texas en Austin, por nombrar solo algunas. El trabajo de Henson ha aparecido en Elephant Magazine, Artforum e Hyperallergic, y fue nominada en 2017 al premio Emerging Artist Award de la Rema Hort Mann Foundation.

Leslie Martinez es una artista multidisciplinaria originaria de La Grulla y La Victoria, Texas, pequeños pueblos detenidos en el tiempo en el Valle del Río Grande, en la frontera entre Texas y México. Se crió en Dallas, Texas, y viaja regularmente hacia y desde estos pueblos cruzando uno de los puestos de control de la patrulla fronteriza (CBP) más peligrosos del país. A través de esta experiencia, Martinez desarrolló una comprensión crítica de la otredad xenófoba, que más tarde se transformaría en una curiosidad por la estructura de la pobreza, la segregación, la vigilancia militarizada y la brutalidad deshumanizante de la frontera. Actualmente, su obra explora estos intereses históricos y vivenciales bajo nociones abstractas de pertenencia y des-pertenencia, en relación con la vergüenza y el silencio que rodean la identidad sexual y de género. Los matices conceptuales y sensoriales entre estos espacios transitorios e inestables se materializan mediante relaciones visceralmente complejas con los materiales y su capacidad para desafiar las expectativas de gravedad y tensión. En 2018 obtuvo una Maestría en Bellas Artes (MFA) por la Escuela de Arte de la Universidad de Yale en New Haven, Connecticut, y en 2008, una Licenciatura en Bellas Artes (BFA) por The Cooper Union for the Advancement of Science and Art en la ciudad de Nueva York. Sus exposiciones colectivas recientes incluyen Heads/Tails en la galería Next to Nothing en Nueva York, Way Out Now en la galería Diane Rosenstein en Los Ángeles, California, Kaleidoscope en la galería Kravetz | Wehby en Nueva York, y Life and Living presentada por Deli Gallery en el Hudson Valley LGBTQ Center en Kingston, NY.

Andrew Mount utiliza la pintura, la instalación, la imaginería digital, el software y la escultura para examinar los símbolos, las formas y la actividad de las finanzas y la deuda. Es licenciado en Pintura por la Universidad de Reading (Reino Unido), tiene una maestría en Bellas Artes por el Hunter College y un doctorado en Educación por el Teachers College de la Universidad de Columbia. Ha exhibido su obra extensamente en los Estados Unidos, incluyendo su exposición individual Epigraphs and Graphemes en el Abrons Art Center de Nueva York.

Las intervenciones de Pablo Rasgado en espacios urbanos cuestionan la relación entre función y diseño, así como el potencial de los espacios inactivos dentro de las ciudades. Rasgado ha exhibido en la 11ª Bienal do Mercosul (2018); Steve Turner LA (2017); XIII Bienal de Cuenca (2016); MOCAD (2015); Museo de Arte Carrillo Gil (2014); LACMA (2013); los Eventos Colaterales de la 55ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia (2013); Herzliya Museum of Contemporary Art (2013); Casa del Lago (2012); Museo Experimental el Eco (2011); La Chambre Blanche (2011); y el Museo de Arte Moderno (2010), entre muchos otros. Ha recibido la beca de la Pollock-Krasner Foundation, la beca del Programa Bancomer-MACG, la beca FONCA-CONACULTA (2006, 2010, 2011 y 2017), la beca Mex Am (2007), y ha sido artista en residencia en The MacDowell Colony (2015, 2018); Yaddo (2017); Art Omi (2016); The Skowhegan School of Painting and Sculpture (2015); Cité Internationale des Arts (2014); École Supérieure d’Art et Design (2013); La Chambre Blanche en Quebec (2011); el Bemis Center for Contemporary Art (2009) y el Vermont Studio Center (2007). Su obra forma parte de diversas colecciones públicas, como la Wattis Foundation en San Francisco; el Perez Art Museum en Miami; la Colección Jumex en la Ciudad de México; y el Los Angeles County Museum of Art. El artista vive y trabaja en la Ciudad de México.

Sarah G. Sharp es una artista y curadora cuyos intereses incluyen historias sociales alternativas, el lenguaje, el lugar, la tecnología y la artesanía. Ha sido galardonada con una beca de investigación de la Biblioteca Getty y premios de residencia en SoHo20 Gallery Residency Lab, Joya en Cortijada Los Gázquez y The Vermont Studio Center. Sus obras de arte y proyectos curatoriales se han exhibido en el Aldrich Museum, Real Art Ways, Hampden Gallery de la Universidad de Massachusetts Amherst, Frederieke Taylor Gallery, Spring/Break Art Show y Field Projects Gallery. Es la fundadora de The Tool Book Project, un proyecto de arte multimodal que proporciona una plataforma de acción directa para que los artistas compartan su trabajo y recauden fondos para grupos sin fines de lucro. Sarah tiene una licenciatura del Evergreen State College en Olympia, Washington, así como una maestría en artes de estudio y una maestría en arte moderno y contemporáneo, crítica y teoría de Purchase College, SUNY. Es profesora adjunta en la Universidad de Maryland, condado de Baltimore, y enseña en el programa de maestría en práctica artística de la School of Visual Arts en Nueva York. Sarah vive y trabaja en Brooklyn y Baltimore.

Santina Amato es una artista multimedia cuya obra aborda la noción del cuerpo íntimo, especialmente el cuerpo femenino. Su práctica incorpora video, escultura, instalación, performance, pintura y fotografía, y está profundamente arraigada en el pensamiento psicoanalítico y la teoría feminista, intentando traducir las complejidades de su propia sexualidad femenina, el deseo y el erotismo dentro de la relación visceral entre lo físico, lo psicológico y lo social del cuerpo funcional. Como enfoque material, su interés en el uso de la masa de pan dentro de un diálogo artístico interdisciplinario reside en su ciclo de vida. Una vez activadas por el agua tibia y el azúcar, las células de levadura se separan y se dividen en un proceso que recuerda al momento en que un óvulo es fecundado por el esperma. Existe un momento cumbre en el que la masa está voluptuosa, llena y madura justo antes de empezar a morir.

Afincada en Brooklyn y nacida en Jerusalén, Ettun utiliza la escultura, el vídeo y la performance para invertir la semiótica de nuestros rituales culturales, sociales, religiosos y personales. Como heredera conceptual de Baldessari, Levinas («L'autre c'est moi») y Boetti («todo contiene su opuesto»), Ettun crea esculturas basadas en el estudio del movimiento diseñadas para romper nuestros territorios físicos y psicológicos definidos. Dispositivos amorfos, como hábitats de paracaídas y zapatos de hormigón, fusionan binarismos aceptados como permanencia/impermanencia, estático/cinético, participante/espectador y militar/civil, por nombrar algunos.

YeRin Kim-Roznowski es una artista interdisciplinaria nacida en Corea cuya obra ha sido expuesta internacionalmente. El trabajo de YeRin explora la soledad, la empatía, la jerarquía y la interdependencia a través de la pintura, la escultura, el performance, el video e instalaciones interactivas. Profundamente influenciada por los campos del arte antropológico contemporáneo y la psicología social, utiliza diversas técnicas y medios para ilustrar e investigar las relaciones entre individuos, entre individuos y grupos, y la sociedad formada a partir de estos vínculos. La artista enfatiza el contraste entre la experiencia humana innata de estar limitada por nuestra propia perspectiva y nuestra necesidad de conexión e interdependencia con quienes nos rodean. La obra de YeRin representa relaciones humanas abstractas y simplificadas que invitan al espectador a reconocerse dentro de estas grandiosas pero ubicuas arquitecturas de la vida.

Cole es un pintor que emplea métodos tradicionales de pintura y técnicas preliminares de grabado para interpretar recuerdos de eventos reales y subconscientes: amalgamas de la vida real y la fantasía que a menudo surgen de experiencias personales profundas. Los procesos de superposición y distorsión son fundamentales para transmitir emociones en su obra. El artista utiliza imágenes compuestas para representar la naturaleza fragmentada de la memoria, narrada a través de referencias personales y familiares de la historia del arte.